Las películas de Darren Aronofsky clasificadas de la mejor a la peor, según los datos de IMDb
Arte
Por: Valentina Cisniega - 03/04/2023
Por: Valentina Cisniega - 03/04/2023
Uno de los principales desafíos al proponer o establecer una clasificación es elegir los criterios que evalúan y determinan la posición de los elementos clasificados.
Quizá dicha dificultad es especialmente notable en ciertos temas. Cuando se trata de entretenimiento, por ejemplo, las opiniones y calificaciones suelen ser diversas y bastante subjetivas, lo cual complica la tarea.
Con todo, en Internet existen plataformas que concentran críticas de todo tipo de personas y arrojan un promedio de ellas. Tal es el caso del sitio Internet Movie Database (IMDb) que inicialmente se caracterizó por ser una base de datos en línea que almacenaba información relacionada con películas. Actualmente no sólo alberga un amplio catálogo de sinopsis de filmes así como sus calificaciones, sino que también se ha expandido al almacenamiento y procesamiento de otros tipos de contenidos.
Por ello, decidimos utilizar la calificación que miles de usuarios le dieron a las películas del director y guionista estadounidense Darren Aronosfky en dicho sitio para ordenarlas de la mejor a la peor en la siguiente lista.
Esta es la película mejor calificada de Aronosfky y no hay duda de por qué. Estrenada en 2001, la cinta narra las historias compartidas de una madre y un hijo con dependencia a las drogas. Sin embargo, no se trata de la típica película que deja una lección moralista sobre el consumo abusivo de ciertas sustancias. Nada de eso, pues aunque varias escenas son crudas y difíciles de ver, el verdadero tema es la materialización del traspaso de los límites de los seres humanos. La actuación de Ellen Burstyn fue tan fenomenal que recibió diversas nominaciones en distintos festivales y premiaciones de su año de estreno. También los entonces jóvenes actores Jared Leto, Marlon Wayans y Jennifer Connelly encarnaron de una forma tan estremecedora (y perturbadora) a sus personajes que su participación en la película no pasó desapercibida.
Protagonizada por Natalie Portman, la historia de esta exitosa película trata sobre la complicada vida de una bailarina de ballet que intenta destacar de manera profesional al obtener el papel principal en un montaje de El lago de los cisnes, el conocido ballet con música de Tchaikovsky. Aunque la narrativa de esta cinta no fue tan innovadora dentro del género, lo que atrapó a la audiencia fue la magistral interpretación de Portman y la manera en la que desarrolló su personaje durante los momentos más álgidos de la película. Gracias a esa entrega a su trastornado personaje se llevó el Premio Óscar a Mejor actriz en 2010.
Aunque el título parece decir claramente de qué trata la cinta, no hay mejor forma de hablar de lo no explícito que a través de la narrativa y la actuación de Mickey Rourke. Su actuación en esta película fue sobrecogedora, portentosa, llegando al punto de sentir, como espectadores, que Randy (el personaje principal) está hablando desde el fondo de su alma. Frases del tipo "soy un pedazo de carne vieja y estoy solo, y me merezco estar solo", acompañadas de la fotografía de Maryse Alberti y la banda sonora de Clint Mansell, dejan al espectador con la respiración tensa, mientras puede que haya cierta humedad en sus ojos ante la crudeza y el realismo del relato.
Si bien la cinta está por encima de otras más populares del director, la recepción durante su estreno no fue del todo buena. Aunque la historia tiene una narrativa romántica y hace uso del recurso de la seudociencia al servicio de los deseos del hombre, no termina de entenderse el argumento principal.
Este filme de nombre tan sencillo tiene un estilo totalmente diferente al de las cintas mencionadas. Al tratarse del primer trabajo cinematográfico de largo aliento de Aronofsky, la trama no gira tanto en torno al papel protagónico como a la idea central de la película. En este sentido, Pi es un estudio sobre la locura y su inevitable relación con la genialidad. Un hombre torturado y motivado cree que las matemáticas son el lenguaje del universo, que la naturaleza se puede expresar en números y que existen patrones naturales en todas partes. Si puede encontrar los patrones y hallar la clave del caos, podría predecir cualquier cosa: el mercado de valores, por ejemplo. Si el hombre tiene razón, el misterio de la existencia se abre. Si se equivoca, el interior de su cerebro comienza a parecerse a un tablero de cotizaciones atascado.
Si bien esta película estrenada en 2017 no fue muy bien recibida por el público, destaca por su inmersión profunda en el horror metafórico. ¡Madre! es a veces horrible, a veces fascinante, a veces desconcertante y la mayor parte del tiempo no se parece a nada que se haya visto antes. Es cierto que los verdaderos amantes del terror pueden quedar decepcionados por el resultado o la visión global de la cinta, pero claramente es una película que nadie más podría hacer. En esencia, la cinta retrata de manera bastante perturbadora el ego masculino, el instinto femenino y la encarnación del egoísmo a través de personas que exigen más de lo que alguien puede dar. Sí, justo como pasa en la maternidad. La dupla de Jennifer Lawrence y Javier Bardem sostiene la película de inicio a fin con actuaciones magistrales.
Aunque en principio esta cinta tiene como fuente uno de los episodios más famosos de la Biblia, el del llamado divino que recibe Noé para construir un arca donde él y los animales del plantea puedan salvarse de un inminente diluvio universal– la película es la interpretación personal e íntima de Aronofksy sobre esta conocida historia. La fotografía, la escenografía y otros elementos cinematográficos destacan en Noé, pero lo que verdaderamente distingue a la película es la sensación de estar inmersos en una pesadilla surrealista fusionada con una parábola sobre la codicia y la compasión humanas. Cabe mencionar, sin embargo, que a diferencia de los otros trabajos de Aronofsky, en esta cinta las actuaciones no son particularmente extraordinarias, aun cuando su fuerza es la vida emocional del protagonista. Aunque Russell Crowe ya era un multipremiado actor en la época de estreno de la cinta (2014), no tuvo una participación memorable en su papel del mítico constructor del arca bíblica.
Con algunas cuantas semanas de estreno y casi sesenta mil votaciones de usuarios de IMDb (hasta el momento), The Whale comienza a ser clasificada como uno de los mejores trabajos de Aronofsky, si bien parece prematuro pronosticar su posición definitiva en este ranking. No obstante, no cabe duda de que el éxito de esta cinta se debe en gran medida a la conmovedora y desgarradora interpretación de Brendan Fraser en el papel protagónico, así como la historia detrás de su regreso como actor a la pantalla grande después de casi veinte años de ausencia. El sello del director se encuentra en la forma en la que lleva a sus actores a explotar al máximo las emociones más íntimas, incómodas y perturbadoras por las que transitamos los seres humanos. Confrontar aquello que nos suele dar miedo a través de la pantalla grande le ha valido a los actores que trabajan con Aronofsky llegar al punto más alto de su carrera, y esta cinta es un buen ejemplo de ello.
